Calcanhotto, Veloso y Lancelotti ao vivo

Como lo habíamos anticipado, el repertorio iba a ser de lo más amplio, variado y hasta a veces curioso. Hubo momentos de protagonismo de cada uno de los tres. Canciones prestadas entre sí, canciones nuevas, canciones reversionadas y canciones ajenas. Precisamente, uno de los puntos más altos de la noche, junto con el ya clásico Fico assim sem você, cantado por todo el público presente, fue esta versión de Music de Madonna, con tres contrabajos como único instrumento y la gracia de Adriana Calcanhotto al mando.

Music – Madonna (incluida en un disco de A.C)

Lisandro Aristimuño en el ND / Ateneo

La última de las noches de presentación de Las crónicas del viento. Lisandro Aristimuño logró algo que sinceramente, de los años de ver música en vivo que tengo, pocas veces he sentido en similar magnitud: una comunión, emotiva, enérgica, profunda, festiva, exultante, apasionada y artísticamente impecable. A cada final de canción, es mirarse con el compañero, en búsqueda de la misma emoción que nos recorre. Una sensación de saciedad espiritual de ver a un artista enorme en su momento creativo más alto.

Se entiende entonces porqué no es casualidad que este músico independiente, llene la capacidad cuatro veces en dos fines de semana del ND / Ateneo. En tiempos de violencia mediática y real, donde el individualismo, el resentimiento y el miedo predominan en los corazones, es realmente conmovedor ver que todavía hay artistas y personas que suspenden todo para reunirse bajo un mismo techo y llenarse de amor en forma de canciones.

De ver varios videos de las noches anteriores, tengo la impresión de que la última, la que presenciamos el sábado, fue la mejor. Lisandro estuvo muy distendido, hizo introducciones para algunos temas en los que se permitió jugar, explorar un poco y divertirse. Hasta en la vestimenta se lo vio de esa manera. Les dejo varios videos de esas noches.

Azúcar del Estero – Las crónicas del viento (Capítulo 1)
Viernes 13/11/2009



ABC – Las crónicas del viento (Capítulo 1)
Viernes 13/11/2009




Nada de nada – Las crónicas del viento (Capítulo 2)
Viernes 13/11/2009




Canciones viejitas y queribles.

Me hice cargo de tu luz – 39º
Sábado 21/11/2209




Blue – Ese asunto de la ventana
Viernes 13/11/2009




Cerrar los ojos – Ese Asunto de la ventana
Viernes 13/11/2009




Tu nombre y el mío – Azules turquesas
Viernes 13/11/2009

Tres en Niceto

¡Pero qué maravillosa sorpresa! Apenas lo creía al verlo, mientras hacía una rutinaria y desesperanzada recorrida por el monótono SI! de Clarín. Rápido prendí la pc y ahí estaba la invitación de Niceto, ese hermoso lugar para la liturgia de la musica, que desde hace mucho tiempo se ha transformado en hogar de las propuestas más novedosas, originales y creativas.

Tres, es el nombre de este proyecto, en el que Adriana Calcanhotto, Moreno Veloso y Domenico Lancelotti, despliegan un heteróclito repertorio de canciones propias y ajenas, con el lúdico tratamiento instrumental y el intimismo que los caracteriza. Sin dudas serán tres noches hermosas para llenar el espíritu con la voz de Calcanhotto y el vuelo artístico de Veloso y Lancelotti. Tres estrellas de la música popular brasileña juntas.

Va la invitación y unos videos.

Fico assim sem você

Deusa de amor


Nos veremos por ahí abajo. Saludos a todos!

Asesinato del rock - Pablo Dacal

Creo haberlo mencionado alguna vez, a mi humilde juicio, Pablo Dacal es el artista más interesante que circula en esta encrucijada de tiempo y espacio. No sólo en sus canciones se manifiesta, sino que en el plano “intelectual”, también es un artista que vale la pena escuchar. Sus opiniones son respetadas y referidas por colegas generacionales, aunque también ha ganado el respeto de sus mayores.

Tan así que Miguel Grinberg, el autor del libro “Como vino la mano. Origenes del rock argentino”, editado por primera vez en 1977, incluyó en la reedición actual de ese libro un texto de Pablo Dacal, el manifiesto llamado: “El asesinato del Rock”. Una declaración de sus ideas y opiniones, pero que habla en nombre de muchos otros cercanos a él generacionalmente, pero sobretodo cercanos a su sensibilidad artística.

Este es el tercer manifiesto que incluye el libro. El primer texto, “Rock: música dura. La suicidada por la sociedad”, es de Spinetta y Grinberg lo rescata del único número del periódico Rolanroc. El otro es de Claudio Gabis, uno de los pioneros del rock en el país y se llama: "Carta a los músicos de 1980."

Esta semana leí una nota en un diario muy importante, en la que hablaban de Dacal y Grinberg como “parte de un cruce artístico-cultural que sostienen escritores, poetas y músicos en busca de un nuevo amanecer creativo.” Me pareció éste un buen momento para incluir el texto en nuestro espacio, ya que creo que habla por varios de los artistas de los nos gustan, y no por pura coincidencia, sino porque desde este lado, del lado del público atento, de alguna manera sentimos como propias las palabras del autor, y eso nos conduce siempre en búsqueda de eso “nuevo que está por hacerse y no tiene nombre.”

ASESINATO DEL ROCK
1. El rock ya no nos representa sino en parte, como el tango o la música romántica. Algo de nosotros puede ser dicho en sus términos, pero son géneros que representaron la experiencia de generaciones pasadas, no la nuestra.

2. El rock, al integrarse en todas las escalas del sistema de vida imperante, muere como canal de ideas nuevas y ocupa el lugar de la crítica dentro de la estructura del poder. Es otra oferta del discurso oficial, y atacarlo desde el Estado es parte del juego dialéctico. Creer que aún guarda algún poder de transformación es ingenuo y conservador.

3. El rock es antropofágico, y al ocupar socialmente el rol de música juvenil no permite ser desplazado. Quien tenga ideas nuevas deberá ser ingerido o pasar a la clandestinidad.

4. El rock, como todo género envejecido, añora su vitalidad original y vive enamorado de su pasado. Se expresa en el gesto de su juventud triunfante a través de la mirada pop. Creer que lo hace a través de la sexualidad o la violencia es falso: todos los géneros expresaron su propia sexualidad y violencia.

5. A través del pop hablan los arquetipos de la sociedad espectacular, utilizando ciertos géneros del siglo pasado, como el rock o el cine.

6. El mercado del rock oculta a la novedad proponiéndose como lo siempre nuevo. Decir que ya todo está realizado es parte de su truco: lo que ha sido hecho es solo lo que ha sucedido, lo nuevo esta por hacerse y no tiene nombre.

7. Te sedan con sexo, drogas, rock y tecnología.

8. Géneros como el rock pueden ser interpelados, disfrutados e incluso desarrollados mediante la tradición, pero el placer o el desarrollo de una tradición no tienen que ver con la construcción de ideas nuevas.

9. No se trata de fusionar o poner en tensión géneros y estéticas del pasado, si no de utilizarlos como herramientas para que aflore nuestra sensibilidad. Las rítmicas, los colores, el sonido, la armonía y la estructura compositiva que conocemos son instrumentos que una nueva idea puede requerir, o no.

10. Las vanguardias realizan una lectura pretendidamente novedosa sobre los géneros e ideas instituidas en un momento determinado. Los movimientos genéricos, en cambio, surgen tras una verdadera ruptura con lo establecido y dejan el dibujo de una nueva moral, pudiendo o no generar moda.

11. Para encontrar lo nuevo hay que atreverse a no formar parte de la sociedad artística imperante. Si no hay sitios donde mostrar ni medios que nos comuniquen, deberemos inventarlos. Hacer sin dudarlo, como un acto de fe.

12. En la reacción que la obra genera está el norte de nuestro movimiento: solo hay que saber oírla.

13. Una nueva sensibilidad no encuentra la manera de expresarse física y espiritualmente con facilidad.

14. La canción y la historieta son las formas narrativas de nuestro tiempo, cargan con la herencia secreta de la poesía y la tragedia, y continuarán existiendo cuando todo estalle.

15. El mundo tal cuál lo conocemos vivirá probablemente mucho menos de un siglo. Nuestra música, al igual que nuestra vida, debe dejar de relacionarse con temporalidades ficticias como el futuro o el pasado para enfrentar lo actual en toda su crudeza.

16. Cantamos nuestro idioma y vivimos nuestro sitio.

17. No nos alcanza el tiempo.


Pablo Dacal
Rosario - Buenos Aires, Argentina
Diciembre de 2006


Rumbo Norte – 13 Grandes éxitos.


Balada del mar salado – La era del sonido

Entrevista con Alvy Singer

Es curioso que un artista como él haya ganado un premio al mejor solista en un concurso llamado “Aguante Buenos Aires” ( 2004). "¡Aguante Alvy!". Es curioso porque Jano Seitún, la persona que encarna a Alvy Singer, es un artista con una gran riqueza artística, intelectual y académica, nada más alejado de aquella vacía connotación. Además, porque su presente dista bastante de ser solista. Su música recorre con humor, cinismo, pasión y sutileza, la canción de cámara con una big band de ocho integrantes. Pero además de todo, es un artista bondadoso que se ocupó de contestarnos un breve cuestionario para poder conocerlo un poco mejor, cedámosle la palabra:

¿Por qué Alvy Singer? como el personaje de Woody Allen. (Annie Hall, 1977) ¿En alusión a su humor o a la música de jazz, swing, etc?
_Se me ocurren varias razones: el uso de un nombre que no fuera el mío me servía cuando empecé a armar el asunto como una especie de escudo (que luego transformé en lanza) para no tener tanto miedo de afrontar la situación de estar en el centro de un escenario o un disco. Mi vínculo con la música siempre había sucedido desde otros roles (como contrabajista, o bajista, o chelista en grupos y orquestas). Usando la metáfora futbolera, siempre había jugado en la defensa o el arco, (lo que en la música se llama la base o el sostén, la contención, el piso firme, las frecuencias graves) y para hacer mis canciones (cantarlas, tocar la guitarra) tuve que hacerme cargo de “meter los goles” (estar al frente en el escenario, sostener el show). Ese cambio me costó varios años de proceso mental, darle vueltas… es muy difícil cambiar radicalmente el rol “social” que uno cumple (en la pareja, en un grupo de amigos, en su familia, etc): hacerlo con un pseudónimo me permitía forjar una identidad narrativa. Particularmente ese nombre me cerraba muy bien: al tener una disfonía de por vida, necesitaba ese exorcismo: poner bajo la lupa y resaltar la palabra CANTANTE (Singer). Y el personaje de Alvy Singer que creó Woody Allen dice unas reflexiones muy interesantes sobre las relaciones amorosas y yo tengo esa ambición. Y por supuesto la música de todas sus películas siempre me fascinó.

¿Cual es tu formación musical?
_Conservatorio, facultad de música, Orquesta Académica del Colón, más todos los grupos y colegas con los que toqué y toco, y los discos que escucho. Siempre estoy alimentando esa “formación” (aunque esté viendo tele o pateando piedritas en la calle)

¿Como funciona o articula la creación en la Big Band?
_Es una combinación de distintas instancias: el asunto empieza como un juego bastante delirante, en soledad y en la intimidad de mi casa, hasta que aparece (o no) una canción.
Si tengo suerte, y esta aparece, luego viene una etapa un poco mas “cerebral” o racional, que es la de pensar un arreglo, una orquestación, para que la canción funcione de la mejor manera posible. Hasta ahora, siempre me ocupé yo mismo de los arreglos, pero por suerte, de a poco, los chicos se van animando a meter las manos en la masa. Por ejemplo el arreglo de cuarteto de cuerdas de la canción “Ya la olvidé” (vol3) lo hizo el carinetista de la big band (Juan Kiss).
Lo que sigue es el ensayo, cuando están todos los músicos en casa, y la orquestación se pone a prueba. A veces funciona, y a veces no. Pero siempre es importantísimo el aporte que hace cada músico a la partitura que yo armo, porque llega a sus manos como una cosa escrita, fría e inanimada (y a veces sólo como un “mapa de ruta” bastante vago y general) y ellos le dan vida, aportan ideas, críticas y mucha magia para que eso se vuelva música.

Empezando a terminar


¿Cuales son/fueron tus Influencias?
_Ufff no quiero aburrirlos con mi lista de héroes. Te puedo contar (por agarrar cualquier punta del ovillo) que el disco que me empujó a hacer mi primer disco es Las increíbles aventuras de Juan Antonio Canta .

¿Cual es la importancia del humor/tragedia/ironía en tus canciones?
_No persigo la canción con remate, o gag, porque siento que no resiste muchas escuchas (salvo casos geniales como les Luthiers o algunas cosas de Leo Masliah o Tomi Lebrero). Me interesa el humor para la vida; no entiendo la gente que se toma demasiado en serio a sí misma o es demasiado solemne (que no es lo mismo que poner todo el amor y la vida en lo que uno hace) En cuanto a las canciones, me gusta que tengan determinada actitud, que provoquen una especie de sonrisa cruzada, como la que nos puede atacar en un entierro, cuando nos ponemos nerviosos. O lo que provoca Lynch en cine: te da miedo y no sabes bien porqué. Eso es a lo que apunto en realidad. Cierto estado inexplicable, incómodo. Quisiera caminar cada vez con más elegancia esa delgada línea que imagino entre lo tierno y lo siniestro. Que las canciones te interpelen, o te cuestionen, o te incomoden, o te sorprendan, o te den risa o hasta te provoquen una reacción corporal: ganas de bailar o de mover el piecito. (Soy ambicioso?) El baile, lo físico en la música es muy importante para mí, aunque sea un pésimo bailarín.
Pero sobre todo que tengan cierto misterio… que no sean demasiado explícitas, y si lo son, que el “dibujo” o la historia no termine de completarse del todo (Como la tapa del vol1: quién es ese muerto que se levanta y canta? Es una broma de mal gusto o una resurrección? Qué le pasó? QUÉ PASÓ AHÍ? Porqué sonrié?)
Mis canciones no intentan cambiar el mundo, ni explicarlo, sino conmover algún corazón loco que las encuentre por ahí.

(Fotos: Lula Bauer.)

Estos días estás estrenando El corazón fantasma. Contanos sobre el proceso creativo y la grabación, además de los invitados que te acompañan.
_Compuse esas canciones entre diciembre de 2007 y marzo de 2008. Durante ese verano, digamos. Supe desde el principio que quería hacer todo lo contrario a los dos primeros discos, en cuanto al método de grabación. Mucho ensayo previo, y grabar con toda la banda tocando al mismo tiempo en un estudio, a fines de ese 2008. Liquidamos la grabación en un par de días. Fue tan rápido que ni me dí cuenta! (Los vol1 y vol2, en cambio, fueron grabaciones en casa, con una PC, grabando los instrumentos de a uno por vez, de a poco y durante mucho tiempo) Grabar El Corazón Fantasma fue muy divertido e intenso y fugaz, como sacarte una foto: te vestís, te peinas, miras a cámara y click, ya fue. Siento que el disco es una foto de un momento muy hermoso entre la big band y su cantor. Estoy muy contento con el sonido que logramos, con la producción y mezcla de Juan Stewart, el mastering del master Eduardo Bergallo, las fotos de Lula Bauer, las letras de tela (para la tapa) que recortamos con mi novia, el colorido diseño de John Mot…

_En cuanto a los invitados, me siento muy feliz de haber logrado la primer grabación de ese cuarteto que conformamos con Pablo Dacal, Pablo Grinjot y Tomi Lebrero para la canción La Cabeza, y el dúo con Julietita Sabanes (Cantando la canción de la destrucción). Obviamente también cantar con Juliana Gattas (Miranda) y Maria Ezquiaga (Rosal), verlas en acción, grabando, proponiendo melodías para sus voces; recibir tanta generosidad y talento es el sueño de cualquier cancionero.

Qué duela


¿Cual es la mecánica de La Oreja Atenta? ¿Cual es el objetivo? ¿Como podemos participar?
_La Oreja es un taller de canciones que armamos con Tomi Lebrero. Tenemos varios grupos de “alumnos” (aunque no me guste esa palabra, porque siempre hay un ida y vuelta) funcionando. Es muy enriquecedor. Un laboratorio para investigar ese arte que consiste en plantear un mundo en tres minutos. Ahondamos en las tres patas de la canción: letra, música e interpretación. Pueden escribir a laorejaatenta@gmail.com para más info.

Próximas presentaciones:
6/11 (mi cumple!) CON BIG BAND en Espacio Ecléctico (Humberto Primo 730, San Telmo) Proyecciones INCREÍBLES de Johanna Will. 22 hrs

21/11 en Espacio Disparate SOLO SET junto a Lucio Mantel (Sitio de Montevideo 1265, Lanus Este) 22 hrs

28/11 SOLO SET en Club Cultural Matienzo (Matienzo 2424) 22 hrs

9/12 SOLO SET en Le Bar (Tucuman 422): show de boleros y canciones románticas junto a Tomi Lebrero. 22 hrs

18/12 CON BIG BAND en Centro Cultural Pachamama (Argañaraz 22) 22 hrs. Por las dudas chequeen el myspace antes de ir, porque no está 100 % confirmada.

Web
www.myspace.com/alvysingerbigband

Archivos de show y delirios de un cantautor en apuros:
http://www.alvysingerbigband.blogspot.com/

Seguir tratando de explicar un ser inexplicable como Jano Seitun, después de su derroche de generosidad para con nosotros, es meterse en terreno pantanoso. Esta vez no necesito demasiado esfuerzo, ya es suficiente con su elocuencia. Creo, que es una maravillosa introducción al mundo de un artista íntegro, coherente y delicioso. A disfrutarlo!

La negación

Gracias Jano!

Canción para el que llora

Cuando no sientas impulso que te pueda hacer mover del lugar
cuando sientas que el calor a tu corazón no puede llegar
si te duele de más, te pesa demasiado
si mirás para adentro y no lo ves claro
algo late
no hay camino que lleve si vos no lo creés
ningún viento te acerca a donde no sabés
algo nuevo será
algo nuevo vendrá
es parte de saber
también desconocer
el camino verás
cuando cualquier movimiento te cueste, quieras escapar
cuando lo ojos te quemen y no puedas ver de tanto llorar
y te duele de más, te pesa demasiado
adelante
no hay nadie que pueda decirte como es
la tenés que inventar
la tenés que abrazar
con el corazón
no hay una forma de hallar
perfecta y blanca
no hay ruidos dentro de casa
tu madre te arrulla
así no hay melodía para descubrir acá.

La reina de la noche

Inexorablemente, como cada vez, caigo presa del hechizo de María Ezquiaga, su voz y misterio me seducen. En esta oportunidad fue durante la presentación oficial del disco La casa de la noche, en el hermoso Centro Cultural Konex.

El show fue impecable y Rosal demuestra la maduración que alcanzó a lo largo de estos cuatro discos. En escena se nota claramente el entendimiento, la sensibilidad compartida, y todo fluye. ¿El disco nuevo? un cambio madurativo en la forma de componer, de arreglar las canciones, una apuesta hacia adelante de la banda. Todavía estoy en proceso de escucha, pero desde que las pude oir en vivo por primera vez supe que estaba ante un gran disco. (Foto:Grigriders.com)

Lamentablemente no encontré videos disponibles de esa noche, así que les dejo algunos de presentaciones en vivo. Primero, "La reina de la noche", del último disco, aunque es una banda ideal para un lugar cerrado e íntimo, y ante la falta de buenos videos, comparto éste, que tiene buena energía. Luego, "Nos encontramos", del disco Su majestad. Por último la hermosa canción que cierra La casa de la noche: "No depende de mí", de la que participa Lisandro Aristimuño.

La reina de la noche - La casa de la noche.


Nos encontramos - Su majestad (En vivo Personal Fest 2007)


No depende de mí - La casa de la noche (con Lisandro Aristimuño)

Saludos.

Yo nunca pedí

Yo nunca pedí
lo que vos me diste
pero bueno yo..
aprendí lo que me diste

Vos nunca pediste
lo que yo te di
y está bien así
para mí....

Coiffeur: "No es" una novedad.

Es increíble, me resulta sorprendente aunque ya esté habituado: nuevos artistas surgen de cada uno de los rincones casi sin cesar. Muchas veces pienso: bueno, en algún momento se va a acabar, este florecer de las canciones y de los autores con pasión por ellas; pero no mucho tiempo después aparece un Coiffeur y me resuelve mis dudas en la cara.

Si, no es nuevo, allá por 2005 editó "Primer corte", su obra prima. Luego en 2006 su último trabajo: "No Es". Entonces tampoco es correcto decir que es una revelación, pero solo llegué hace un corto tiempo a sus canciones. Verdad es que tomé “No es” como punto de partida y la primera sensación fue sentirme descolocado: la guitarra golpeada y la voz nasal entre tímida e intensa, más las letras que pintan un mundo escondido, personal y hasta prohibido, me dejaron extrañamente alegre.

Años atrás, varios años atrás, recuerdo la penuria que resultaba encontrar información sobre artistas nuevos, pero la web cambió todo, para bien y para mal. Fue entonces que pude enterarme fácilmente que en este, todavía para mí extraño disco, participaba el talento de Pablo Grinjot en algunos arreglos orquestales, y que detrás estaba por el gran productor Mariano Esaín.

Desde esto hace varios meses, quizás sea bastante más de un año, y cuando a veces vuelvo por las tardes a ese disco, todavía me sorprende alguna frase, o una imagen se resignifica, o tal vez un arreglo me canta distinto. Lo mismo vale para Primer corte, que en principio sonaba más despojado, pero luego de ahondar en el entramado de las canciones encontré aún más su belleza.

Después de dos discos, de ser promesa y realidad, lo mejor de Coiffeur creo que es su potencialidad intacta. Guillermo Alonso, como su pasaporte lo indica, demostró la capacidad de superarse, que no es poco, por eso disfruto mucho de Primer Corte y sobretodo de No es, sabiendo que lo próximo será también altamente disfrutable.

Por más: http://www.myspace.com/noescoiffeur

¡Qué mala suerte! - No es (lindo video)


Vuelvas a casa - No es


Parece - No es


En vivo en Chile


Saludos a todos!

Llanto de Berimbau y Repique

Ramiro Musotto nació en La Plata, pero desde pequeño vivió en Bahía Blanca, al sur de la Provincia de Buenos Aires. A los 18 años se fue a Brasil y luego de un paso por Sao Paulo, se radicó en San Salvador de Bahía. La percusión fue su casa, y desde allí construyó una prolífica carrera que cuenta con cientos de participaciones en discos de enormes artistas como Caetano Veloso, Marisa Monte, Jorge Drexler, Paralamas, Gilberto Gil, Gal Costa, entre muchos más de la misma talla.

“Un Argentino tocando el Berimbau?”, se preguntaban los medios brasileños. A fuerza de talento y de una destreza extraordinaria con ese instrumento, se ganó el corazón y el respeto de los grandes de ese país. Sus manos, son como una gran confluencia, una gran esquina en la que todo se cruza: es tradición y modernidad; es argentino, y brasileño, pero sobretodo muy latinoamericano; es acústico con el berimbau y electrónico con las programaciones; y todo eso mezclado en su música, con los diferentes ritmos, la percusión y la pata afro.

Esta madrugada, a los 45 años, el conquistador de las dos Bahías, la del sur y la del norte, la blanca y la negra, falleció a causa de un cáncer de estómago luego de estar internado en un hospital de la ciudad en la que residía desde hace 13 años.

Además de la inmensa cantidad de discos producidos, invitaciones y colaboraciones, quedan sus dos trabajos como solista: Sudaka y Civilización & Barbarie, los dos editados por Los Años Luz en Argentina. Van dos videos de su DVD Sudaka en vivo y uno tocando con Naná Vasconcelos, el gran maestro del berimbau de Brasil, muestra clara del reconocimiento que la obra de Ramiro Musotto tiene entre los más grandes músicos de Brasil y Latinoamérica.

Caminho / Ginga


M´Bala


Naná Vasconcelos invita a Ramiro Musotto.